viernes, 29 de abril de 2011

Cine: La quimera del oro

La quimera del oro (The Gold Rush) es una película de cine estadounidense dirigida por Charles Chaplin, estrenada el 26 de junio de 1925. Fue reestrenada en 1942 con una nuevo acompañamiento musical y narración en off del propio Chaplin.




Argumento
Chaplin, en su personaje del vagabundo, se encuentra en Klondike, atraído por la fiebre del oro. Una tormenta aparece y se ve obligado a buscar refugio, encontrando una casa aislada en las montañas, habitada por un asesino fugado, Larsen. Y si bien éste trata de echar al vagabundo, el huracán impide a Larsen esa tarea, trayendo además a otro huésped, el gigante Mac Kay. Tras una pelea en que queda inutilizado el rifle del fugitivo, los dos huéspedes logran quedarse.



Pronto les afecta el hambre, deciden que uno salga a buscar comida, y por tocarle el número más bajo entre unos naipes sacados al azar, Larsen es el elegido. Al ser encontrado por unos policías, los matará y robará su trineo, abandonando a Mac Kay y Charlot a su suerte. 

Los dos abandonados sucumben ante el hambre, el vagabundo prepara uno de sus zapatos, mientras Mac Kay ve visiones y cree ver en su compañero una gallina, tratándolo de comer. Será un oso, cazado por fortuna al ingresar en la cabaña, quien les salve la vida.


Al finalizar la tormenta cada uno sigue su camino. Mac Kay se dirige a una mina de oro que encontró, pero se encuentra que Larsen ya había encontrado su concesión y por tal motivo éste lo golpea haciendo que pierda la memoria. 


El vagabundo, por su parte va al pueblo, y atraído por las luces, entra en el cabaret, donde conoce a la bella Georgia, quien decide bailar con él, sólo para sacarle celos a Jack Cameron, el donjuán del cabaret, que la desdeña. Una pelea entre los dos hombres se produce, en el que Charlot sale como azaroso ganador luego que un reloj le cayera en la cabeza a su rival, sin verlo él y creyéndose justo vencedor.

Para poder sobrevivir, se finge muerto para despertar la solidaridad del ingeniero Hank, quien lo revive y le da de comer, encargándole después el cuidado de la casa mientras él va en busca de oro. Mientras Georgia y sus amigas juegan en la nieve, resultando Chaplin víctima de las bolas de nieve por accidente, entran en la casa y para divertirse con él le prometen ir a cenar con él para Año Nuevo.

Prepara la cena con mucho esmero, pero Georgia olvida la cita divirtiéndose en el cabaret. El vagabundo espera en vano y cae rendido ante el sueño, sueña que está junto a Georgia, y la entretiene con su danza de los panecillos, uno de las escenas más recordadas de Chaplin. Pero es un sueño, se dirige al cabaret a ver a Georgia, la que acaba de recordar su cita. Va a su cabaña y la encuentra vacía, se siente triste por el vagabundo, y reniega a Jack, que sigue igual de prepotente que siempre.

Georgia manifiesta su interés por el vagabundo y éste enloquece de felicidad, pero Mac Kay, quien lo busca para recordar la ubicación de su mina, se lo lleva arrastrando. Logran encontrar la cabaña, pero en la noche el viento la lleva hasta un acantilado, donde la casa apenas se mantiene en equilibrio. Logran salir vivos, descubren que en el preciso lugar donde estaban se encontraba la mina de oro.

El vagabundo vuelve en barco hecho rico a su país, lo tiene todo… menos a Georgia. Los periodistas piden retratarlo en su traje de buscador de oro. Se cae dentro de un rollo de cuerda, lo confunden con un polizón y lo quieren expulsar del barco, pero Georgia, que también regresa a su país, trata de impedirlo pagándole el pasaje. Los demás pasajeros arreglan la situación, mientras el vagabundo y Georgia se dan cuenta que se aman, el fotógrafo insiste en tomar una foto pero es arruinada por el beso que se dan los enamorados, pero a Chaplin eso ya no le interesa.

miércoles, 27 de abril de 2011

Cine: El maquinista de La General

El maquinista de La General (título original en inglés: The General) es una de las películas más famosas en la historia del cine mudo. Siguiendo con lo que en él era habitual, Buster Keaton, realiza un film lleno de humor y situaciones embarazosas, entre cabriolas y equilibrios. Con una buena fotografía y una planificación minuciosa, consigue crear una cinta llena de comicidad, emoción y poesía.

Argumento
Johnnie, un maquinista de ferrocarril enamorado de Annabelle, debe salvarla de los malos (del ejército yanqui), que la tienen secuestrada en The General, la máquina de tren favorita de Johnnie.
La película está basada en un hecho real sucedido durante la Guerra Civil. Se trata de una adaptación del libro de William Pittenger: Daring and Suffering: A History of the Great Railway Adventure (Audacia y sufrimiento: Una historia de la gran aventura ferroviaria), el cual fue publicado en 1863.

La película desarrolla la historia de Johnnie Gray (Buster Keaton), un maquinista de la Western & Atlantic que tiene dos pasiones en su vida, su locomotora "La General" y su novia Annabelle Lee (Marion Mack).

Cuando estalla la guerra civil, Annabelle pide a Johnnie que se aliste en el ejército sudista para luchar contra la Unión. Desgraciadamente, en el momento en que va a inscribirse no es admitido pues lo consideran más útil en su profesión de maquinista que en su posible aportación como soldado. Annabelle Lee cree que fue un acto de cobardía y decide no hablarle más a Johnnie.

Un año después, Annabelle tiene que viajar porque su padre está herido, y lo hace en la locomotora de Johnnie, al que aún no habla. A mitad del recorrido un grupo de nordistas, intentando enlazarse con el ejército de la Unión en Chattanooga, deciden poner en marcha un plan que incluye el robo de "La General". Cuando llevan a cabo su huida descubren que Annabelle permanece en la locomotora y se la llevan como prisionera. Johnnie intentará recuperar el mismo su locomotora y al mismo tiempo a su amada, aunque desde el principio no lo sabe.

Género
La película pertenece indiscutiblemente al género de la comedia. La historia se desarrolla acompañada de situaciones cómicas y encontramos un final feliz. El héroe es por azar, Johnnie rescata a Annabelle del cuartel enemigo aunque en un principio no sabía que la tenían prisionera. Existe una constante permanencia del gag, sin embargo, lo cómico no es lo único en la película, pues se tocan aspectos dramáticos, debido a que se está tratando de narrar un episodio de una guerra








Iluminación
Pese a que se trata de una película en blanco y negro es posible apreciar la iluminación en la que se apoyan para desarrollar el lenguaje técnico. Como la mayor parte de la película se desarrolla de día, la iluminación es constante y natural. En el momento en que se requiere el efecto de que se nubla y empieza a llover entonces la iluminación del día cambia, se empieza a oscurecer la escena y la lluvia cae estrepitosamente. 


Otro momento en que cambia la iluminación natural es cuando durante la lluvia nocturna caen truenos y se iluminan zonas del campo que no son perceptibles en la total oscuridad, como cuando aparece el oso enfrente de Johnnie y Annabelle. Los momentos de mayor luz se daban cuando se hacían acercamientos de cámaras a los rostros de los protagonistas o a detalles de objetos. Un ejemplo es cuando Annabelle observa detenidamente el nudo de un leño y se enfoca al nudo, dándole mayor iluminación. También se procura que cuando se enfoca el rostro de Johnnie exista un poco más que la luz natural.

Música
Por tratarse de un filme silente, la música que se incluye posteriormente en la película es lo único que se tiene en cuanto a sonidos o efectos. Se trata de un sonido no diegético pues proviene de una fuente totalmente externa de la película. No obstante, la música de piano cumplió dos funciones: la de ambientar las situaciones y la de servir como efectos de sonido, de acuerdo a lo que se veía en la pantalla. Esto es notable con los acentos en los tonos de la música para dar un sonido especial a las caídas, disparos o golpes. Por un lado, la música ambienta el espacio y prepara al público para una película cómica, sin embargo, curiosamente, los momentos más realzados por el aspecto musical son los de peligro o los que traen consigo una carga sentimental. Los momentos cómicos, más que ser ambientados son acompañados y apoyados.

Ambientación
La ambientación de la película se da gracias a la iluminación, la música y las expresiones de los personajes. Generalmente la ambientación se da de mayor manera en situaciones dramáticas o de peligro, más que en las escenas cómicas, pues éstas se dan de manera instantánea y por su carácter de espontaneidad no necesitan ser ambientadas. Quizás los momentos en que más se siente una ambientación especial sean los de peligro, pues la música se hace más fuerte y rápida, lo cual muestra una concordancia con las acciones que se ven en pantalla y crea en el espectador una sensación similar a la agitación del pulso.
Fotografía
La fotografía de la película tiene un carácter muy estético, pues en ella pueden apreciarse elementos clave como lo es la búsqueda del equilibrio. Ejemplo de ello es la disposición de los objetos para lograr una armonía visual, en lo cual interviene mucho la perspectiva y las direcciones. En especial, las panorámicas son ricas en todo lo anterior, pues es posible observar diversos aspectos de la imagen con mayor claridad. Ejemplo de ello es una toma en la que La General, manejada por sus raptores, atraviesa una estación sureña. Se observa un equilibrio de peso en los árboles, al igual que con la dirección del tren establecido previamente por las vías, además de la disposición de las casas, la cual equilibra la imagen. Cabe señalar que otro aspecto importante de la fotografía es que las imágenes claras y bien apoyadas por los escenarios, permiten al público tener una mayor comprensión de lo que se le quiere transmitir.

Cine: Doctor Caligari

El Doctor Caligari es un personaje ficticio extraído de la película alemana de 1920 "El gabinete del doctor Caligari e interpretado por Werner Krauß.



En un primer momento Caligari es un feriante que se dedica a ir de pueblo en pueblo con su espectáculo llamado "Gabinete del doctor Caligari", en el que muestra a Cesare, un sonámbulo que obedece sus órdenes y predice el futuro de los espectadores.


A medida que avanza la película, se descubre que Caligari es el director de un psiquiátrico. Su especialidad es el sonambulismo y a través de su sonámbulo Cesare comete toda clase de asesinatos. A su vez, este director del psiquiátrico se ha basado en un Caligari pasado que está dentro de un relato. Este relato se trata de la historia “El gabinete del Doctor Caligari”, que en el siglo XVIII cometió los mismos crímenes que él se dedica a cometer en la actualidad.
Al final de la historia se descubre que todo es fruto de la imaginación de Francis, un paciente del psiquiátrico y narrador de la película, que confunde al director del psiquiátrico con el Doctor Caligari. 

A los ojos de Francis, el personaje del Doctor Caligari manifiesta una dualidad, es un feriante y un doctor de psiquiátrico que actúa como réplica del verdadero Caligari del pasado.

El personaje y la película tuvieron una gran popularidad y produjo una gran influencia fuera del mundo cinematográfico. Dentro del cine hizo escuela desatando en los siguientes años una gran moda por el cine alemán.

Producción cinematográfica a la que pertenece
Cine expresionista alemán.(1905) 

Grupo de producciones en contraste con el impresionismo en pintura, en el que prima la expresión subjetiva sobre la representación objetiva de la realidad. Es el cine que se realiza en la Alemania de Weimar. Se aprecia la expresión de sentimientos y la emoción por encima de la representación de la imparcialidad; para ello se utilizaba la deformación de las cosas, el mundo interior, la angustia y las alucinaciones del artista. 


Obedece sus órdenes y predice el futuro de los espectadores.
A medida que avanza la película, se descubre que Caligari es el director de un psiquiátrico. Su especialidad es el sonambulismo y a través de su sonámbulo Cesare comete toda clase de asesinatos. A su vez, este director del psiquiátrico se ha basado en un Caligari pasado que está dentro de un relato. Este relato se trata de la historia “El gabinete del Doctor Caligari”, que en el siglo XVIII cometió los mismos crímenes que él se dedica a cometer en la actualidad.


Al final de la historia se descubre que todo es fruto de la imaginación de Francis, un paciente del psiquiátrico y narrador de la película, que confunde al director del psiquiátrico con el Doctor Caligari. A los ojos de Francis, el personaje del Doctor Caligari manifiesta una dualidad, es un feriante y un doctor de psiquiátrico que actúa como réplica del verdadero Caligari del pasado.


El personaje y la película tuvieron una gran popularidad y produjo una gran influencia fuera del mundo cinematográfico. Dentro del cine hizo escuela desatando en los siguientes años una gran moda por el cine alemán.



jueves, 14 de abril de 2011

Gregory Colbert


Gregory Colbert nació en Toronto, Canadá, en 1960. Es un cineasta y fotógrafo mejor conocido como el creador de Ashes and Snow una exposición de obras fotográficas y videos albergada en el Museo Nómada (The Nomadic Museum).



Ashes and Snow

La primera exposición de Gregory Colbert, Timewaves, se inauguró en el Museo de Elysée en Suiza en 1992, recibiendo elogios de la crítica. Durante los siguientes diez años, Colbert no exhibió públicamente sus obras ni sus videos. En cambio, viajó a lugares como India,Birmania, Sri Lanka, Egipto, Dominica, Etiopía, Kenia, Tonga, Namibia y la Antártica para filmar y fotografiar la interacción entre los seres humanos y los animales.



Desde 1992, Colbert ha realizado más de 60 expediciones y ha colaborado con más de 130 especies: Colbert ha filmado y fotografiado animales como elefantes, ballenas, manatíes, ibis sagrados, grullas Antigona, águilas reales, halcones gyr,rinocerontes búceros, guepardos, leopardos, perros salvajes africanos, babuinos, gibones, orangutanes y cocodrilos de agua salada. Los sujetos humanos que ha fotografiado y filmado incluyen a monjes birmanos, bailarines en trance, gente San, y miembros de otras tribus indígenas alrededor del mundo.


En 2002, Colbert presentó su obra Ashes and Snowen Venecia, Italia. Una crítica en The Globe and Mail del 9 de abril de 2002 dijo, al respecto, lo siguiente: “Colbert develó Ashes and Snow, una exhibición de imágenes y fotografías sin precedentes por su alcance y escala. Cubriendo 12,600 metros cuadrados, es una de las exposiciones de una sola persona más grandes en la historia de Europa.



En la primavera del 2005, la exposición se inauguró en la ciudad de Nueva York dentro del Museo Nómada (The Nomadic Museum), una estructura temporal construida exclusivamente para albergar la exposición. Posteriormente, Ashes and Snow y el Museo Nómada viajaron aSanta Mónica, California en el 2006, a Tokio en el 2007 y a la Ciudad de México en el 2008. Hasta la fecha, más de 10 millones de personas han visitado 
Ashes and Snow, lo que la convierte en la exposición de un artista vivo con mayor asistencia en la historia.


Colbert empezó su carrera en París en 1983, realizando películas documentales sobre temas sociales. Su documental On the Brink-An AIDS chronicle (En el Borde – Una Crónica del SIDA), fue filmado en nueve países, y nominado para un premio ACE en 1985 en la categoría de mejor documental. Otros proyectos fílmicos incluyen Last Words (Ultimas Palabras) y Finding a Way Home (Encontrando un Camino a Casa). Su trabajo en cine lo condujo hacia la fotografía artística.


Gregory Colbert ha recibido una considerable cantidad de premios y distinciones. En el 2006 ganó el premio de “Mejor Curador del Año” (“Best Curator of the Year”) en los Premios Lucie (Lucie Awards).3 En el 2007, su película Ashes and Snow fue nominada para un premio especial en el Festival de Cine de Venecia (Venice Film festival).4 Su reconocimiento más reciente fue el nombramiento de embajador honorario de 
cultura y turismo de México.


Ashes and Snow y el Museo Nómada (The Nomadic Museum) continuará su gira mundial indefinidamente.


Más de diez millones de personas han visitado la exposición desde el comienzo de su viaje en Venecia. El proyecto ha sido muy bien recibido por el público general, y ha recibido críticas elogiosas como "Ha nacido un nuevo maestro" (Photo Magazine) o "El poder de sus imágenes es eterno y sagrado" (Architectural Digest).
Colbert sigue con sus expediciones y el desarrollo de Ashes and Snow.



martes, 12 de abril de 2011

René Magritte

René François Ghislain Magritte (nace el 21 de noviembre de 1898, en Lessines, Bélgica - 15 de agosto de 1967, en Bruselas, Bélgica) fue un pintor surrealista belga. Conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, pretendía con su trabajo cambiar la percepción precondicionada de la realidad y forzar al observador a hacerse hipersensitivo a su entorno.


Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.



Realismo mágico


A partir de 1926 el estilo de Magritte, también llamado "realismo mágico", cambia poco; entre 1928 y 1930 investiga las ambiguas relaciones entre palabras, imágenes y los objetos que éstas denotan. En La perfidia de las imágenes (1928-1929) retrata meticulosamente una pipa, y debajo, con igual precisión, pone la leyenda Ceci n'est pas une pipe (Esto no es una pipa), cuestionando la realidad pictórica. 


El espejo falso (1928) explora la misma idea: el ojo, como un falso espejo, reflejando las nubes blancas y el cielo azul pintados de forma realista; en este cuadro introduce el tema del paisaje ilusionista, interpretado en clave pictórica, alejado de toda intención naturalista. Magritte explora en toda su obra el problema del espacio real frente a la ilusión espacial, que es el trasunto de la pintura misma.

La respuesta de la crítica es, en general, hostil hacia estas obras, y Magritte vuelve a su acostumbrado estilo. Son característicos de los años cincuenta los cuadros en los que tanto figuras interiores como paisajes y objetos aparecen convertidos en roca.A lo largo de los años cuarenta expone asiduamente en la galería Dietrich de Bruselas.





"Las formas básicas y los temas, sin embargo, continúan la fantasía del lugar común durante los años sesenta. Una escena urbana nocturna a la que se le superpone un cielo azul con nubes de atardecer flotando; carreras de jockeys en coches y por habitaciones; o una elegante amazona paseando por un bosque mientras es segmentada por los árboles. Pero el mundo de Magritte contiene siempre al misterioso hombre invisible con bombín y abrigo negro solo o en grupos, como en Golconda (1953), donde una multitud de ellos desciende sobre la ciudad" (Arnason).



En los dos decenios sucesivos recibe numerosos encargos para la ejecución de pinturas murales en Bélgica.
Desde 1953 expone frecuentemente en la galería Alexander Iolas de Nueva York, París y Ginebra. Se organizan retrospectivas sobre su obra en 1954 en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas, y en 1960 en el Museo de Arte Contemporáneo de Dallas y en el Museo de Bellas Artes de Houston.


Muere en Bruselas el 15 de agosto de 1967, pocos días después de la inauguración de una importante muestra de su obra en el Museo Boymans Van Beuningen de Róterdam.

domingo, 10 de abril de 2011

Autorretrato: Antonio López

Antonio López García (Tomelloso, Ciudad Real, 6 de enero de 1936) es un pintor y escultor español.




Método de trabajo
“Una obra nunca se acaba, sino que se llega al límite de las propias posibilidades”
Sus cuadros se desarrollan en ocasiones, con una plasmación lenta, meditada, destilando con cada pincelada la esencia del objeto o paisaje, hasta que el artista consigue plasmar la esencia del mismo en el lienzo. 

El pintor busca entre la realidad que le rodea aquellos aspectos cotidianos, que él recoge con un tratamiento pleno de detallismo, rozando lo fotográfico. Sus preferencias van desde las vistas de Madrid hasta los retratos de sus familiares, pasando por los objetos más cotidianos y cercanos


A lo largo de la mayor parte de su carrera artística, Antonio López ha desarrollado una obra independiente, en medio de un panorama artístico estructurado en base al informalismo y la abstracción. Tampoco parece tarea fácil vincular la obra de López con las tendencias realistas europeas más recientes, o con el hiperrealismo americano.